24 jun 2011
18 jun 2011
JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN.
“Volviendo a un lugar desconocido desde la mirada como pensamiento”.
Dicha frase; no se si del conferenciante Pep Montoya o del artista Joan Hernández Pijuan; es la esencia del trabajo artístico de este último.
Su obra personal es una gran reflexión sobre el tiempo, su contemplación y el entorno que la rodea.
Con su mirada atenta, Pijuan sabe captar los detalles de un mundo que cada vez es más rápido y fugaz, donde casi todo pasa desapercibido sino realizamos el ejercicio de pararnos a observar y reflexionar.
Este artista observa con una mirada distinta, analítica, lo que en ocasiones estamos acostumbrados a ver sin percatarnos de sus cambios, de su diversidad.
Desde mi punto de vista, esa es una de las mejores cualidades de un artista.
Saber diferenciar estos cambios que se producen a nuestro alrededor constantemente no es nada fácil; por ello, el análisis minimalista que ofrecen sus obras, en las que muestra la esencia de lo que observa; me parece una magnifica forma de ver y sentir la vida.
Su exposición en la Madraza (Granada) recoge esta aptitud. Sus obras son el resultado de un proceso de contemplación y meditación de la naturaleza desde una perspectiva muy personal y profunda.
Gracias a la Conferencia realizada por Pep Montoya y Emilio Zurita en la Facultad de Bellas Artes de Granada, podemos sentirnos más cerca de la obra de este artista, humilde y claro, como sus pinturas; y apreciar las desigualdades de la vida y el contexto en las que se nos presenta.
A veces podemos pasarnos años sin vivir en absoluto,
y de pronto toda nuestra vida se concentra en un solo instante.
Oscar Wilde (1854-1900)
16 jun 2011
13 abr 2011
4 abr 2011
22 mar 2011
BON APPÉTIT
¿Qué es el arte?
Esta pregunta resulta aun más difícil de responder cuando quieres que tu trabajo se base en ello.
Muchos han intentado dar una respuesta razonada a este interrogante, sin resultados muy concretos.
Desde mi punto de vista, creo que esto va a seguir siendo así, porque la lógica no puede analizar las diversas manifestaciones artísticas y concretizar todos los resultados en un único patrón, una sola respuesta.
El problema de definir esta palabra es que es imposible.
Puede que para muchos los parámetros ya estén fijados; pero ¿Dónde lo han aprendido?, ¿De quiénes?;…
Lo que nos muestra los libros sobre Arte, hasta hace poco no eran más que pequeñas dosis de un tipo de arte en concreto: el occidental, dejando a un lado en la sombra, a un arte de culturas menos desarrolladas; y por ello no las apreciábamos como otro estilo artístico.
Esta es otra de las razones de las razones por la que no puede existir una definición certera, sin que sea
subjetiva, elitista,…del verdadero y puro sentimiento del arte.
Para mi el arte lo es todo, y en ocasiones no es nada. Puedo encontrarlo en distintas situaciones del día a día; desde por la mañana al untar un panecillo con mantequilla, cuya textura me recuerda a las olas del mar; hasta en unos de los fascinantes platos de la cocina vanguardista de Ferran Adrià.
Por ello he escogido a este genio revolucionario de la gastronomía para empezar la incursión sobre mi proyecto personal de Pintura y Abstracción.
A continuación, antes de desarrollar mi propuesta, voy a exponer las bases de su trabajo para un mayor
conocimiento de cuales han sido las influencias que he rescatado de su trabajo, para más tarde incorporarlas en mis obras.
ElBulli, historia de un sueño.
Dicen que Ferran Adrià es el Dalí de la cocina española. Elevado internacionalmente a la categoría de mito, Adrià es hoy un español universal que traspasa fronteras desde los fogones hasta la cima del mayor reconocimiento mundial.
Es el representante de un nuevo arte: la cocina como expresión de la inteligencia y de la creatividad.
Por ello he escogido el documental “ElBulli, historia de un sueño”, como punto de partida para mi proyecto personal.
En este catálogo audiovisual se recoge toda la información exhaustiva jamás filmada sobre el restaurante de Cala Monjoi en Roses. Este documental esta articulado en diez capítulos. En los nueve primeros se recogen los hechos más importantes de ElBulli, desde su creación en 1963 por parte del matrimonio Schilling, hasta la actualidad, un recorrido minucioso y completo por los logros gastronomitos de ElBulli, y las vivencias de sus protagonistas.
El capítulo diez, “Un día en ElBulli”, recoge la filmación de toda una jornada, para plasmar de la forma más realista posible cómo se vive el día a día en el restaurante de Roses.
Para mi Ferran Adrià es pura pasión creativa al servicio de un determinado fin: la comida.
En sus obras encontramos una fusión entre arte y ciencia.
Al investigar, crear, innovar, desarrollar, fusionar,... crea un estilo y un lenguaje propio, que nos introduce en una cocina multisensorial, convertida no solo en un placer físico sino también intelectual.
La inspiración y la libertad son su base y la evolución su camino.
Cuando el comienza con algo no sabe en que se va a convertir, hasta que poco a poco se va construyendo, al igual que el trabajo de muchos artistas.
Se preocupa por todos los detalles, cuestionándose cada cosa, por ejemplo: ¿Qué es la comida¿, ¿Qué podría ser?... Intenta exprimir al máximo el producto, dialogando con él, comprendiendolo, encontrando su pureza.
El no es un vanguardista porque muchas personas lo hallan definido así, sino porque ha hecho con entusiasmo y magia, de el alimento un arte.
En muchas de sus obras encontramos ironía, provocación, trasgresión, juego, sorpresa, engaño, osadía,... Todo ello crea nuevos conceptos, técnicas y elaboraciones fundamentales para conocer su proyecto, haciéndonos participes de su juego.
Como todo artista de vanguardia, en sus comienzos no fue muy aclamado por el público, pero con el tiempo ha demostrado que su labor ha sido totalmente necesaria para toda una revolución gastronómica en el siglo XXI.
Gracias a él, muchos hemos aprendido que aunque terminaron las vanguardias en el arte, todavía se pueden crear cosas innovadoras, sorprendentes, atrevidas,... que aunque no tengan el nombre de Cubismo, Dadaísmo,... pueden ser tan revolucionarias como lo fueron estos movimientos en su tiempo.
Indiscutiblemente la cocina de Ferran Adrià tiene muchos puntos en común con la abstracción.
Ambas parten de una idea básica, un sentimiento, una búsqueda de algo escondido en la realidad, poco visible, que no muchos son capaces de vislumbrar.
El convierte esta visión en abstracción, gracias a un laborioso trabajo de investigación, que da como resultado obras de gran colorido, diversas formas y ricas texturas.
Sus platos muestran una gran sensibilidad y composición. Parecen sacados de la imaginación de cualquier artista abstracto.
Adrià sabe mejor que nadie mezclar la comida con el arte. Este recorrido es el que voy a utilizar para mi propuesta artística; pero de forma totalmente contraria. Mi idea es convertir el arte en comida.
Este proceso solo se puede desarrollar de una manera visual. El objetivo al contemplar mi obra es que nos produzca una sensación
de querer degustar lo que esta delante de nosotros, dejando a un lado que sea material no comestible.
Este método de descontextualizar un producto convirtiéndolo en simple pintura, puede inducirnos a cuestionarnos multitud de cosas; entre ellas una muy relevante en el mundo del arte: ¿Qué es el arte y qué no lo es?.
Creemos que un cuadro en una pared es arte, sin embargo dudamos de que un plato de comida si lo sea.
¿Cómo podemos estar tan seguros?.
De esta pregunta nace la idea para mi obra. Cada persona tendrá una respuesta, una interpretación,…pero lo claro es que todos dudamos y eso nos hace ser personas. Como dijo Sócrates: “Sólo sé que no sé nada”.
Por todos estos motivos la propuesta realizada más que una instalación; es un juego.
Un juego de percepción, de memoria, en el cual hay una pequeña ilusión óptica al querer crear obras plásticas que nos transmiten sentimientos tan naturales como la tentación, la gula,…Nuestro narcisismo atrevido intentará engañar a nuestra razón, la cual sabe que no es lógico degustar algo toxico como puede ser el látex y el acrílico; sin embargo la tentación quedara servida: Bon Appétit.
 | ||
| Comer bien alimenta el alma. Ferran Adrià. |
21 mar 2011
25 feb 2011
.......... Alejandro Hermann "Desde la esencia de lo natural"..........
Ayer día 24 de Febrero, asistí a la inauguración de la exposición "Desde la esencia de lo natural" de Alejandro Hermann en el centro cultural Gran Capitán.
Muchas de sus obras me fascinaron por su libertad técnica y acabado reluciente.
Son trabajos espontáneos, con un valor estético espectacular. Su atractivo reside en la combinación cuidadosa de pigmentos y en sus formas arbitrarias, que crean texturas hererogéneas imposibles de repetir.
Esta experimentación merece ser destacada por el drástico cambio que el artista austriaco-argentino ha realizado en estas obras, ya que su carrera artística se ha decantado mas por el arte figurativo.
En esta ocasión, emprende un nuevo camino hacía algo más abstracto, experimental, libre,... concentrando su atención en el estudio de los pigmentos y su relación entre ellos, mostrándonos así su libertad interior.
Como punto negativo de la muestra, la ausencia de gente joven y curiosa con ganas de aprender de otros; puesto que todos los allí presentes, exceptuando a dos amigas y a mi, eran personajes de mayor edad, y me temo que por su aptitud, sus mayores intereses por la exposición no eran más que las botellas de vino.
Espero que más adelante eso no sea así, he invito a todo el mundo a que vaya a sacar sus propias conclusiones.
 |
Jesús Conde, natural de Archidona (Málaga), residente en Granada, es uno de los profesores titulados de mi facultad de Bellas Artes en Granada.
Además de sus títulos profesionales es un gran artista y nos lo ha demostrado en su última exposición realizada en el Centro de Exposiciones CajaGRANADA de Puerta Real, bajo el titulo de: "La Habana".
La idea le surgió tras escuchar una pequeña anécdota de el cantaor Pepe de la Matrona (Sevilla 1887 - Madrid 1980), el cual viajo a La Habana en barco y cuando llegó a Cuba aseguraba que veía el paisaje redondo, después de haberse pasado toda la travesía transatlántica mirando el mar por un ojo de buey.
Por ello, Jesús conde realizó esta serie de obras sobre lienzos circulares, que nos acercan más a la visión del cantaor.
Tras sus viajes realizados, Conde nos enseña sus visiones de la ciudad, su edificios, portales, fachadas, barrios,..., con gran virtuosismo, recreando aquellos lugares; acercándonoslos.
Personalmente me ha fascinado su colorido intenso y su luminosidad, además de su estricto dibujo. Sin embargo, creo que el excesivo formato circular, que no carece de sentido, abruma un poco la mirada cuando llevas un tiempo observando las obras, pero también es verdad que la primera impresión al entran en la sala es totalmente deslumbrante.
Por todo ello, aconsejo a todo aquel que pueda visitar la exposición que se pase y observe esas maravillosas pinturas, puesto que para mi ha sido todo un placer y estoy segura de que para él que vaya también lo será.
1 feb 2011
PROYECTO PERSONAL. PINTURA III. 1ª PARTE.
*OBSOLESCENCIA PROGRAMADA* (Comprar, tirar, comprar).
Este documental va a ser el punto de partida de mi proyecto personal.
El tema del que trata es la obsolescencia programada; una antigua formula para crear objetos cuya vida util no supera un determinado tiempo.
Consecuentemente, con este proceso se obtienen mayores e indefinidos beneficios al tener que volver a comprar el mismo objeto repetidas veces, ya sea porque nos han convencido de que ese objeto se ha quedado antiguo; o bien porque ya ha dejado de funcionar, en la mayoria de los casos intencionadamente.
El gran problema de este sistema de producción; a parte de haber creado las bases de un capitalismo infinito; es la cantidad de residuos que quedan expuestos en el planeta; inservibles e indestructibles, puesto que en la mayoria de los casos son transportados a paises "subdesarrollados"; donde sus habitantes, forzozamente tienen que convivir con ellos.
Desde mi punto de vista es un tema muy inquietante y que mucha gente desconoce, aunque, obviamente, lo vivimos dia a dia. Por ello mi proyecto va a partir de esta base, investigando los temas subyacentes en ella, como pueden ser: el consumismo, la globalización, el reciclaje, la moda, los residuos, la publicidad, las desigualdades, el poder,...
CONFERENCIA ESTRELLA DE DIEGO. "Echarse a la calle"
La conferencia de Estrella De Diego es una reflexión a la sociedad occidental y a sus valores establecidos, sobre todo en el campo del arte.
Durante mucho tiempo el arte no ha sido más que lo que había escrito en los libros de Historia del Arte, olvidandonos de aquellas manifestaciones más ignoradas, e infravalorandolas; como pueden ser el arte brasileño, asiático, africano,... en definitiva el arte no occidental. Además de un tipo de arte muy importante para mi: el arte realizado por mujeres, en numerosas ocasiones a la sombra del hombre.
Y este hecho, aun en el siglo XXI, es objeto de multitud de desigualdad, como ya nos recordó el año pasado un profesor de la Facultad de Bellas Artes, al incluir en su programación solo un libro: "El impacto de lo nuevo" de Robert Hughes. Para mi sorpresa, este libro solo hablaba de artistas masculinos, exceptuando en un par de casos, creo recordar, alguna artista femenina.
Este ejemplo demuestra las grandes desigualdades que existen hoy en día en el arte.
Pero esto; ¿qué quiere decir?, ¿El arte siempre ha sido realizado por hombres? Pues NO.
Quiere decir que gran parte de la sociedad sigue infravalorando e ignorando el papel de las mujeres en cualquier rama del saber; al igual que ha pasado y pasa con la cultura no occidental; en la cual siempre ha habido maravillosos artistas como pueden ser: Jenny Holzer, Jean-Michell Basquiat, Frida Kalho, Rauschenberg, Claes Oldenburg, ...
Estos artistas, mujeres y hombres, han luchado contra lo establecido, demostrando que algo diferente, novedoso, alternativo,... puede ser magnifico independientemente del lugar del que procedan y del género que tengan.
Esta conferencia me parece un gran discurso para darnos cuenta de que la sociedad tiene un gran miedo a lo desconocido, a lo diferente,... Por eso creo que esta frase popular es el punto de referencia para algunas personas que no ven más allá de sus narices:
"MÁS VALE LO MALO CONOCIDO QUE LO BUENO POR CONOCER"
Estas son algunas de las obras de los artistas anteriormente mencionados:
Durante mucho tiempo el arte no ha sido más que lo que había escrito en los libros de Historia del Arte, olvidandonos de aquellas manifestaciones más ignoradas, e infravalorandolas; como pueden ser el arte brasileño, asiático, africano,... en definitiva el arte no occidental. Además de un tipo de arte muy importante para mi: el arte realizado por mujeres, en numerosas ocasiones a la sombra del hombre.
Y este hecho, aun en el siglo XXI, es objeto de multitud de desigualdad, como ya nos recordó el año pasado un profesor de la Facultad de Bellas Artes, al incluir en su programación solo un libro: "El impacto de lo nuevo" de Robert Hughes. Para mi sorpresa, este libro solo hablaba de artistas masculinos, exceptuando en un par de casos, creo recordar, alguna artista femenina.
Este ejemplo demuestra las grandes desigualdades que existen hoy en día en el arte.
Pero esto; ¿qué quiere decir?, ¿El arte siempre ha sido realizado por hombres? Pues NO.
Quiere decir que gran parte de la sociedad sigue infravalorando e ignorando el papel de las mujeres en cualquier rama del saber; al igual que ha pasado y pasa con la cultura no occidental; en la cual siempre ha habido maravillosos artistas como pueden ser: Jenny Holzer, Jean-Michell Basquiat, Frida Kalho, Rauschenberg, Claes Oldenburg, ...
Estos artistas, mujeres y hombres, han luchado contra lo establecido, demostrando que algo diferente, novedoso, alternativo,... puede ser magnifico independientemente del lugar del que procedan y del género que tengan.
Esta conferencia me parece un gran discurso para darnos cuenta de que la sociedad tiene un gran miedo a lo desconocido, a lo diferente,... Por eso creo que esta frase popular es el punto de referencia para algunas personas que no ven más allá de sus narices:
"MÁS VALE LO MALO CONOCIDO QUE LO BUENO POR CONOCER"
Estas son algunas de las obras de los artistas anteriormente mencionados:
Claes Oldenburg: "Cuchara, puente y cereza"
Jean-Michel Basquiat: Autorretrato. 1982
Frida Kahlo: Mi nacimiento. 1932
Rauschenberg: Solstice. 1968
Jenny Holzer: Xenon on Berlin´s matthäikirche. 2001
17 ene 2011
EL ARTE ENTRE MALETAS
Cristóbal Toral es un artista vanguardista obsesionado por los conceptos de viaje y espacio.
Su obra mezcla la figuración realista con imágenes oníricas. En ellas podemos ver su predilección por el desnudo femenino, los bodegones y las maletas.
Es considerado uno de los grandes referentes del realismo mágico español del siglo XX.
La singularidad de sus obras se demuestra por la importancia que para él tiene reflejar la personalidad del artista en su trabajo.
Desde mi punto de vista es un artista único a la hora de proyectarnos tales imagenes; reales o imaginarias; que parecen sacadas de un espacio angustioso, a la vez que melancólico.
A continuación, algunas de las obras de Cristóbal Toral:.
"La llegada"
"Tren cargado con equipaje"
"Empaquetados para viajar"
"Maletas y muebles"
"Nueva inquilina"
12 ene 2011
CIRQUE DU SOLEIL
Este proyecto consistente en la abstracción de un fotografía, me ha dado la oportunidad de realizar una mimesis de la realidad e interpretarla desde un punto de vista más personal.
El resultado; de gran colorido al igual que el modelo natural; está realizado con mayor libertad. La materia se fusiona produciendo nuevos e improvisados efectos.
Todo forma un conjunto más fluido y sugestivo.
Fotografía original.
Interpretación propia.
Boceto
El resultado; de gran colorido al igual que el modelo natural; está realizado con mayor libertad. La materia se fusiona produciendo nuevos e improvisados efectos.
Todo forma un conjunto más fluido y sugestivo.
Fotografía original.
Interpretación propia.
Ampliación.
Boceto
Suscribirse a:
Entradas (Atom)